Cómic: Barcelona Low Cost

Hoy reseña/crítica/comentario de BARCELONA LOW COST, un tebeo simpático pero fallido en su computo global. Con todo una lectura interesante, buena muestra de costumbrismo nacional de actualidad.

BARCELONA LOW COST de Aníbal Mendoza y Martín Tognola: **1/2

Ameno, divertido, cercano, entretenido. Adjetivos positivos todos ellos que no logran pese a todo sumar un pleno, ya que por contra, el dibujo de este tebeo me ha resultado especialmente feista en la ilustración de caracteres y carente de la suficiente profundidad emocional pese a su buena composición y planificación de viñetas. La ciudad queda retratada hermosa, bucólica, casi bohemia en su colorido, pese a las miserias de supervivencia que los protagonistas han de vivir en ella. Pero estos mismos, pese a su personalidad bien trazada e idiosincrasia reconocible por sus actos, se ilustran demasiado caricaturescos, mucho más unidimensionales de lo que sus acciones denotan y su situación les empuja a vivir. No tienen todo lo perfiladas que deberían ni traducidas al lápiz con suficiente tino las emociones que deberían plasmar en consonancia a sus vivencias, cosa que supone - creo - un defecto base para una creación de estas características.

No me entiendan mal, se trata de un tebeo majo, humano y simpático, a la vez doliente muestrario del "slice of life" más contemporáneo y patrio posible, pero la cosa podía haber sido mucho más redonda de profundizar también con algo más de saña en las miserias sociales que acaban por quedar tan solo apuntadas.

Cómic: El Demonio Rojo

Hoy reseña/crítica/comentario de EL DEMONIO ROJO, SIGA USTED TODO TIESO, un poco de humor en cómic con la recopilación en tomo de toda la etapa de historietas a color de la divertidísima serie EL DEMONIO ROJO. 

EL DEMONIO ROJO, SIGA USTED TODO TIESO de Mauro Entrialgo: ***

Publicada en la mítica revista El Víbora desde 1994 hasta su cierre en 2004 y dividida en dos etapas, la de blanco y negro hasta 2002 (recopilada en un único volumen - igual de gamberro y simpático que este - con el significativo título GANAS DE FOLLAR) y la aquí comentada en color, la colección EL DEMONIO ROJO se trasladó con el cierre de la publicación a Primera Línea donde continuó hasta 2007. Encontramos ahora juntas las historias coloreadas de Entrialgo para su disfrute en sesión continua, cosa que se produce en cuanto leemos su primera página.  A través de unos protagonistas corrientes y urbanitas, asistimos a las situaciones más cómicas y a los diálogos más descacharrantes con una insistente sensación de cercanía, mala leche y complicidad, pues la temática de sus pequeños capítulos no deja de ser tan universal y común como sincera; las relaciones entre hombres y mujeres. Diferencias irreconciliables, inevitable atracción, choques interactivos y chispeantes textos, cercanos en los mejores casos a Woody Allen. El humor cercano, ácido y cotidiano que destila el autor resulta irresistible.

Con un dibujo sencillo, caricaturesco pero muy solvente, y un agradable colorido - para la ocasión - que humaniza más si cabe a los personajes, Entrialgo hace gala de un exquisito conocimiento de las debilidades humanas, volcando su afinada mala uva sobre tabúes que desarma a golpe de verdades como puños. Y todo ello simpatizando siempre con sus creaciones, que consigue convertirlas en prácticamente amistades nuestras. Una pequeña delicia para divertirse sin tapujos.

Cine: Pesadilla en Elm Street 2010

Si con motivo de 30 DIAS DE OSCURIDAD 2 hablaba de las secuelas sin criterio, con el remake del ya clásico film de Wes Craven perpetrado por la factoría Bruckheimer no me queda sino aborrecer de esta tendencia, que quema sus últimos cartuchos rebuscando en el cajón de los recuerdos para decepcionar a todos los niveles con guarrerías de diseño como esta.

PESADILLA EN ELM STREET 2010 de Samuel Bayer: 0

La displicencia y poco respeto que se muestra hacia el género en el mainstream hollywoodiense actual resulta casi ofensiva e insultante para el aficionado al terror y fantástico de raza. Si los sempiternos ochenta fueron el caldo de cultivo de gozosos títulos que han trascendido la barrera del tiempo para quedarse a vivir en la trastienda del séptimo arte a modo de pequeñas piezas de culto (POSESIÓN INFERNAL, HELLRAISER), no es menos cierto que algunos títulos de la década previa pasaron a convertirse en clásicos del terror por derecho propio. Títulos que de un tiempo a esta parte no escapa ni uno solo de ellos a revisión, como HALLOWEN (acreedora por otro lado de una más que estimable versión de Rob Zombie) o LA MATANZA DE TEXAS (idem, con precisamente el apoyo de los testosterónicos Michael Bay y Jerry Bruckheimer, que dan pie al producto que me ocupa).

Pero cuando los remakes actúan como mera puesta al día sin elemento alguno de interés, como la descafeinada y predecible VIERNES 13 (también obra del dúo dinámico de la acción) o el nuevo AMITYVILLE, la cosa deja de ser un refrescante lavado de cara (LA CASA DE CERA de Collet-Serra como cinta corolaria) para convertirse en una ristra de tópicos sin pies ni cabeza (ejemplos a patadas; TERROR EN LA NIEBLA o ASALTO A LA COMISARÍA DEL DISTRITO 13, que eran prácticamente insultos a Carpenter), donde la taquilla del primer fin de semana prevalece como motivo único de su realización y se ensambla el producto entero únicamente con esas miras comerciales en mente. Con este motor creativo poco más se puede decir al respecto.

Así pues, el nuevo Freddy Krueger resulta ser el ejemplo perfecto de la nada, de la vacuidad narrativa más aséptica y plúmbea. Todos los adjetivos descalificativos que sugieran desidia y desgana pueden aplicarse a la película en cuestión sin temor a resultar exagerados. Carrusel de clichés efectistas, sucesión de tópicos sin imaginación, impostadas actuaciones de opereta y demás elementos a introducir en una coctelera donde la chapuza digital quiere hacer olvidar la cuidada artesanía pretérita, donde la puesta en escena inteligente y a fin de cuentas la profesionalidad cinematográfica se sustituye por sugerencias y encuestas rellenadas por adolescentes que indican cada cuantos minutos ha de haber un susto de pacotilla en pantalla que permita meter mano a la chavala de la butaca de al lado. Y lo peor de todo es que resulta aburridísima con apenas 90 minutos de duración.

En resumidas cuentas, un cero, pero no un cero cualquiera, no. Un cero patatero.

Cómic: Salvador Sanz

Hoy reseña/comentario/crítica de LEGIÓN y MIGRADOR NOCTURNO de Salvador Sanz. Comentaba con motivo de la entrada dedicada a Diego Agrimbau, que el tebeo argentino contemporáneo cuenta con un buen puñado de artistas de primera división. 

Si el mencionado guionista lo es en su terreno, Salvador Sanz que hoy me ocupa lo es como autor integral aunque todavía denote cierta falta de aplomo a la hora de plasmar estructuralmente sus atractivos planteamientos.

LEGION: ***1/4

En esta su primera obra por mí conocida, Sanz aborda el terror en su versión más directa y al tiempo inteligente, mezclando referencias de modo soberbio y dando por resultado una coctelera visualmente explosiva. Desde Lovecraft a Hellraiser, pasando del suspense fantástico inicial- con ecos a EL ETERNAUTA nada menos - al relato apocalíptico con Giger o Moebius como referencias puntuales, el derroche artístico del autor resulta impresionante, tanto en el empleo del color como en la composición de las páginas y la impecable resolución de cada viñeta. Pero la brevedad de su contenido (apenas 60 páginas) y el frenetismo de su puesta en escena hacen parecer la trama - que parte de una premisa sobre el arte absolutamente genial - algo atropellada, cuando en realidad lo que necesitaba era más tiempo (y espacio) para desarrollarla plenamente. Un aspecto que limita tan solo parcialmente sus muchos logros.

MIGRADOR NOCTURNO: ***1/2

Aprendidos los errores anteriores, Sanz se muestra en esta obra tan solvente a nivel gráfico como en la anterior, pero con más seguridad en el terreno literario, dando tiempo a la trama para hilvanarse de modo más interesante y complejo. Tanto que en algún momento parece dispersarse demasiado, cosa que no tarda en corregir con una recta final emocionante y espectacular. De nuevo acude el autor a la mixtura genérica fantástica, donde lo terrorífico y lo místico se dan la mano sin estridencias, con referencias visuales al imaginario japonés en esta ocasión, destacando a Miyazaki en lo orgánico y a Otomo en lo grandioso, e incluso al universo Matrix por momentos, configurando una propuesta de enorme imaginación cargada de metafóricos apuntes cronenbergianos, que quizás - otra vez un único pero destacable en lo concerniente al guión - no logra ensamblar todas sus brillantes ideas con una fluidez a la altura de las mismas y su portentosa ilustración. Con todo, un comic extraño y fascinante que empuja a releerlo una y otra vez.

Cómic: Jiro Taniguchi

Hoy reseña/comentario/crítica de UN ZOO EN INVIERNO, EL GOURMET SOLITARIO y K. Es posiblemente el mangaka contemporáneo más internacional y reconocido, cuya sensibilidad en las tramas que narra y el delicado trazo naturalista que emplea en su ilustración configuran una mano maestra que se cuenta entre las más destacadas del tebeo internacional. Y se trata por supuesto de uno de mis autores favoritos. Hoy tres lecturas de Jiro Taniguchi.

UN ZOO EN INVIERNO: ***1/4

Esta obra es una aproximación autobiográfica (otra más, ¿y van?) a sus propios inicios en el manga, tan pulcramente dibujada como es costumbre y con esa exquisita sensibilidad a la hora de describir e ilustrar las emociones humanas. Aspiraciones artísticas, sinsabores, día a día en la vida de un estudio como aprendiz y en relación a la evolución del autor dentro de ese mundillo; su pasión por el dibujo propio y la búsqueda de la felicidad a través de la realización personal, son algunos de los temas (entre otros habituales de Taniguchi como la familia o la naturaleza como elemento catalizador del alma humana) de este hermoso cómic. El único pero es un final no conclusivo que deja en el aire la historia de amor, con todo una delicia.

EL GOURMET SOLITARIO: ***1/2

Auténtico recorrido gastronómico por Tokio y alrededores, esta obra viene firmada por Taniguchi en colaboración con Masayuki Kusumi, en la que un comerciante almuerza, come y cena en diversos sitios, probando en cada uno de ellos los diferentes manjares que cada lugar le ofrece. De este modo, pausadamente y con actitud casi reverencial hacia la comida vamos conociendo a este tipo solitario en función de lo que come ("comemos, luego existimos" llega a decir) y al tiempo esto le lleva a sus recuerdos y a sentir nosotros al final del tebeo una tremenda simpatía hacia su persona. Una obra magnífica con la que gracias al virtuosismo del dibujante se corre el peligro de querer comer en el restaurante oriental más próximo al acabar cada capítulo.

K: ***3/4

Actualmente de saldo (6e en Atlántica Cómics) este cómic supone una pequeña debilidad mía, pues aborda la escalada y la pasión por el montañismo, que no hace tanto también me entusiasmaban. Adaptación de una famosa novela japonesa escrita por Yumemakura Baku y guionizada en cinco capítulos por Shiro Tosaki, nos narra las aventuras de un montañero de pasado misterioso que encuentra en su oficio, el rescate de accidentados, tanto una filosofía vital como un continuo desafío de los propios límites físicos y emocionales. Con una bellísima ilustración de los paisajes nevados, Taniguchi desborda pasión por la montaña, alcanzando momentos de pura poesía visual, al tiempo que consigue emocionar a todos aquellos que hayan sentido la naturaleza dentro de sí alguna vez estando en la roca, con la descripción de las proezas del protagonista, entre las que destaca sobremanera "Everest" por su épico ascenso final. Una maravilla.

Cómic: La Diosa Sumergida

Hoy reseña/crítica/comentario de LA DIOSA SUMERGIDA. Hablar de este autor es siempre un placer. Hoy toca comentario de su último trabajo - hasta la fecha - para el tebeo patrio, una divertida y refrescante aventura mediterránea.

LA DIOSA SUMERGIDA de Miguel Calatayud: ***1/2

Las ilustraciones de Miguel Calatayud tienen algo mágico, algo extraño y psicodélico que las hace fascinantes y vivas. Aun siendo practicamente monigotes troquelados de dos dimensiones, sus personajes resultan siempre entrañables y reconocibles, así como sus fondos de rutilante colorido consiguen la magia de una irreal perspectiva tridimensional. Por ello que todas sus creaciones sean acreedoras de tanto magnetismo, pues son tan únicas e intrasferibles que consiguen sumergir (nunca mejor dicho en el caso que nos ocupa) al lector de forma irremediable en un universo tan maravilloso y atractivo como personalísimo, al que solo se le echa en falta más asiduidad laboral. En el caso de LA DIOSA, nos narra las divertidas aventuras que viven una rica y joven heredera junto a un descarado aventurero en pos de un tesoro hundido. Los lugares por los que pasan y las rocambolescas situaciones a las que se ven sometidos no son sino una excusa argumental al uso para, en manos de Calatayud, convertirse en un viaje colorista y festivo, practicamente un arrebatador "joie de vivre" mediterráneo que puede saborearse en cada viñeta. Trascendiendo casi a experiencia sinestésica, llegamos a sentir por momentos en las mejores planchas del tebeo el calor del sol estival y el olor a salitre, al tiempo que se entreteje una surrealista trama de engaños, sorpresas y trampas, donde los caracteres que van haciendo su aparición según avanza la historia, son a cada cuál más divertidos y extravagantes.

Una delicia editada magnificamente por Dibbuks, cuyo gran formato en tapa dura permite el disfrute completo del arte de Calatayud en todo su esplendor. Y como complemento a esta entrada quizás te interese el comentario que realizé sobre PETER PETRAKE o la reseña de este mismo título en EL RAYO CATÓDICO.

Cine: 30 Días de Oscuridad 2

En ocasiones como la que me ocupa se confirman los prematuros juicios de valor y lo que a priori parece una castaña, resulta finalmente ser una castaña. Esta innecesaria (por lo poco lograda) continuación de la estupenda 30 DÍAS DE OSCURIDAD, confirma el mal endémico de las secuelas sin criterio.

30 DÍAS DE OSCURIDAD 2: TINIEBLAS de Ben Ketai: *

Tanto me había gustado (hasta cierto punto, entendámonos) la adaptación del primer tomo del cómic homónimo, por lo fiel y a la vez renovado en la trama, que al conocer de la existencia de esta segunda parte y pese a los recelos que este tipo de producciones - visto el caso, claramente justificables - suelen producirme, decidí darle el voto de la duda razonable. Tras varios comentarios positivos diseminados por la red (ya, ya, no hace falta ni que lo menten) y vista la cinta en cuestión, no me queda sino desaconsejar su visionado de manera tajante. No solo no aporta nada interesante al género, es además una película por completo mediocre y predecible que desvirtúa - atendiendo a lo que podría haber sido una saga vampírica inteligente - los logros de su predecesora.

Hay casi regodeo en la acumulación de tópicos (túneles, sótanos, almacenes siniestros, moteles, todo de noche y con las calles vacías, etc...) que, pasando el interesante primer cuarto de hora de la cinta (con la mejor escena, calcada del cómic: la conferencia nocturna de Stella), no hacen sino acrecentar por momentos el aburrimiento del espectador e insultar su inteligencia con el nulo trabajo de caracteres mil veces vistos, su escasa implicación emocional en lo que hacen o la estupidez de casi todos sus actos como baluarte de la lucha anti-vampírica. Podría pensarse, en modo testosterónico, que el protagonismo de Kiele Sanchez aporta el toque sexy junto a la anecdótica presencia de Mia Kirshner y su escultural trasero, pero lejos de la espectacular físicidad que lucía en LOST ("Exposee" de la 3ª temporada para más señas), aquí solo pasea su - algo - esmirriada figura en una aséptica escena sexual de cartón-piedra, mientras que en el resto del minutaje no hace sino mantener una mirada y pose estática, lánguida, supuestamente sufrida y doliente, pero que no pasa del tedio y la inoperancia más inexpresiva a los ojos del que suscribe.

Y poco más. Se agradecen, eso sí, las escuetas sub-tramas al uso, así como la contundencia de las secuencias gore (no así esa sangre licuada, más vino rosado que otra cosa), pero el guión deslabazado y pobre apenas atisba interés alguno, perdiendo por completo las posibilidades de ambientación (sin duda por el escaso presupuesto) que el tebeo sí explotaba con interesantes resultados, al ofrecer un simpático contraste situacional con el paso de la gélida Alaska al caluroso Los Angeles. No es la peor película de chupa-sangres que he visto, pero tampoco puedo recomendar nada interesante de ella.

Cómic: El Ángel de Notre-Dame

Hoy reseña/crítica/comentario de EL ÁNGEL DE NOTRE-DAME. Publicada tiempo ha en dos álbumes en rústica por Norma, EL ÁNGEL DE NOTRE DAME es una obra entretenida y brillante en su grafismo, aunque decepcionante por su trama en el computo final.

EL ÁNGEL DE NOTRE-DAME de Daniel Torres: **1/2

Torres, conocido por su personaje ROCO VARGAS, se aleja aquí de su creación fetiche para abordar una trama de ciencia ficción y aventuras a lo FLASH GORDON pulcramente ilustrada. Y si bien el dibujo es impecable, la historia que arranca muy interesante, enseguida se pierde en un maremagnum de endeble desarrollo y un trabajo de personajes poco sólido, amén de una repentina resolución de escasa credibilidad. La creación de un mundo estatutario reflejo de las casas reales europeas del XIX en el futuro así como su imaginario visual son estupendos (con múltiples referencias como el STEAMBOY de Otomo o el BLAKE Y MORTIMER de Jacobs entre otros), pero la actuación del personaje central y su intervención son casi arbitrarias, obviando información acerca del mismo y su origen, al igual que apenas resulta plausible la débil excusa palaciega y lucha de poder que se resuelve al final tan a la ligera. Visualmente es un deleite de colorido e inventiva (la catedral en el espacio es puro ALIEN 3 rechazado), pero apenas comienza el segundo tomo la trama hace aguas por todas partes.

En resumen, el guión es la piedra angular de cualquier historia, en la que ni el mejor dibujo puede ocultar su fragilidad. Lo suficientemente interesante como para llegar al aprobado, pero un tebeo fallido en su conjunto y no es porque Torres no sepa el oficio de guionista, pues ahí tenemos BURBUJAS. Hasta hace poco, eso sí, se saldaba a un precio irresistible, por lo que de encontrarlo todavía de saldo merece la pena.

Cómic: El Jardín Armado

Hoy reseña/crítica/comentario de EL JARDÍN ARMADO. David B, autor de la referencial EPILÉPTICO, es un narrador de historias bellísimas, crueles y alegóricas, plasmadas con un estilo que se me antoja maravilloso por su directa sencillez e hipnótico por su impactante sutileza.

EL JARDÍN ARMADO de David B: ***3/4

Solo le conocía una aventura menor (¡Ah, si todas las obras menores fuesen así!) LOS BUSCADORES DE TESOROS, una delicia gráfica colorista y exótica de gran belleza - todavía pendiente de editarse en nuestro país su tercer y último volumen por cierto - cuyo gran malvado, el Profeta Velado, hace aquí también aparición, mezclando el imaginario de los cuentos orientales y la mitología bíblica medieval, pasando de las mil y una noches a la Praga del siglo XV. Ahora la calidad de sus lápices sube un peldaño con EL JARDÍN ARMADO, una compilación de tres bloques de historias que pueden abordarse como independientes y autónomas narrativamente hablando, pero cuyas dos últimas se dan continuidad entre sí, configurando una atrevida alegoría religiosa y un deslumbrante ejercicio visual de singular hermosura (cómic bicolor). En dichas historias el simbolismo cristiano, las referencias iconográficas y la despiadada naturaleza humana se dan la mano con la espiritualidad y el sentimiento esperanzador más emocionante.

Una pequeña joya, editada magnificamente en tapa dura de modo tan exquisito como es costumbre en Sins Entido.

BSO: La Amenaza de Andrómeda

LA AMENAZA DE ANDRÓMEDA es un producto cinematográfico extraño y audaz que no sólo soporta el paso del tiempo con envidiable salud, sino que todavía sostiene fascinantes lecturas y presenta una vigencia plena en su puesta en escena. La aproximación sonora convenida por el director, el siempre reivindicable Robert Wise, fue la del extrañamiento total. El compositor, Gil Mellé, lograría una de las cumbres de la música electrónica para la gran pantalla.

LA AMENAZA DE ANDRÓMEDA de Gil Mellé: *****

La intrusión de un elemento exógeno (virus mortal alienígena) en la tierra, se ilustraría por una homóloga intrusión sonora de inasibles cualidades sintéticas. La idea, y plena consecución del objetivo dado el resultado final, era lograr la creación de un tapiz sonoro absolutamente desconocido hasta la fecha, una ambientación musical única, nueva, desasosegante e inquietante, que no permitiera en ningún momento identificar la amenaza con ninguna idea musical preconcebida. De este modo, la realización documental de la cinta quedaría soslayada en ciertos momentos claves por una banda sonora absolutamente contraria a los cánones, donde la experimentación electrónica y los sintetizadores serían las únicas voces del comentario incidental.

El encargado del desafío sería Gil Mellé, autor proveniente de la televisión con estudios modernistas de la mano de Edgar Varèse a sus espaldas. Aprendizaje que mezclaría con su pasión por el jazz y su interés en la música electrónica, eclosionando en la creación del primer álbum de jazz electrónico de la historia en 1968, de título TOME VI, interpretado por el conjunto del compositor, los Jazz Electronauts. Un currículo que marcaba a fuego su elección para la película de Wise.

La edición discográfica, felizmente alumbrada por Intrada con unas ajustadas mil quinientas copias, permite corroborar desde su inicio la mencionada negación del aparato orquestal del score, dando paso a la mutación (al igual que el virus de la cinta) de la sonoridad de los instrumentos acústicos empleados y reconvertidos en fascinantes efectos y pulsiones. De este modo y creando asimismo nuevos aparatos como el Percussotron III para generar una nueva gama de sonoridades, la audición se abre con "Wildfire", donde diez pianos procesados electrónicamente permutan una serie de ritmos polimétricos que se conjugan creando una pista nerviosa y ágil que anuncia las claves necesarias para entender lo que ha de venir y deja entrever, asimismo, el cáliz de música concreta del que va a beber la obra en todo momento.

"Hex" deviene en uno de los experimentos más fascinantes de la creación. En ella se ofrece un juego intertextual donde seis flautas alteradas intervienen en un diálogo ambiguo y superpuesto, casi un efecto de reverberación que ilustra las seis caras del hexágono que representa la forma básica del cristal que los científicos buscan a través de un potente microscopio durante esta escena, saltando a más y más aumentos al tiempo que la música se reconfigura con cada nuevo salto. "Andromeda" será la encargada de identificar con una constante pulsión electrónica la amenaza del virus, al tiempo que la pasión jazzística del autor se percibe en las anárquicas intervenciones de bajo y percusión que aumentan la sensación de extrañamiento sobre la pieza.

En "Desert Trip" encontramos uno de los pasajes más contundentes, un derroche de ritmos asimétricos en continua evolución que recupera en su segundo tramo las ideas iniciales de "Wildfire" para culminar en un crescendo sintético explosivo, mientras que "The Piedmont Elegy" denota una acusada sensación de desolación, al mostrar el pueblo arrasado por el efecto del virus alienígena, donde el juego de dinámicas sobre el motivo de la amenaza es lo más destacado. Por otro lado el momento más distendido del conjunto aparece en "Op", durante el paso de los protagonistas a los niveles sucesivamente inferiores y de mayor seguridad del complejo de investigación, donde la música opera como símil de la limpieza biológica que sufren gracias a su sonoridad electrónica cristalina.

"Xenogenesis" emplea contrabajo y piano alterados mezclados con una amalgama de sonidos que ilustran el ataque de epilepsia de uno de los personajes frente a la imposibilidad de identificar la forma de detener el virus, dando lugar a un corte de carácter alucinógeno y amorfo, que oscila entre la agresividad contenida (punteada por efectos percusivos) y una creciente tensión electrónica. "Strobe Crystal Green" culmina la banda sonora con su sección más extensa y espectacular durante el bombardeo del virus con Rayos X, primero con un violento choque de texturas rítmicas en crescendo y colisión, dando paso a un intercambio politonal del Percussotron III. Luego de la recuperación y variación del material rítmico de "Wildfire" (con la aportación de unos bizarros pizzicatos para bajo alterado), este se amplifica, conjuga y acelera hasta un clímax insostenible que cierra el disco de modo extasiante.

Con el paso del tiempo y la invasión de la, en general, barata, poco elaborada y nada inteligente electrónica que asola la música de cine desde hace décadas, este trabajo puede pecar de algo ingenuo si se le atiende superficialmente, pero su propuesta intrínseca perdura desafiante y robusta, pletórica de ideas, cargada de fascinación e inventiva como sólo las grandes creaciones son capaces de ser acreedoras. Breve, quirúrgica y brillante, ANDROMEDA STRAIN de Gil Mellé quizás nunca llegue a considerarse una obra maestra reconocida de la música de cine (al igual que PLANETA PROHIBIDO de Louis y Bebe Barron o BLADE RUNNER de Vangelis, por poner un par de ejemplos colindantes) por su marcado carácter y génesis anti-convencionales, su plena ejecución electrónica carente de melodías y aparentemente de estructura, así como por tratarse de una banda sonora dificultosa, compleja y exigente en su apreciación sonora externa a las imágenes. Pero superadas las barreras del disfrute auditivo común y con la más sana de las curiosidades por bandera, desde estas líneas no puedo dejar de recomendar encarecidamente, al menos, su conocimiento y experimentación de primera mano a todo aquél que no la conozca. Unos, temo que los más, apenas terminarán de escuchar sus escasos veintiséis minutos de duración, pero con suerte a otros, los menos posiblemente, se les abrirá la puerta a un fascinante nuevo mundo sonoro, único e irrepetible, plagado de sensaciones indescriptibles.

Puedes leer la reseña original completa en SCOREMAGACINE.

Cómic: Sofía y el Negro

Hoy reseña/crítica/comentario de SOFÍA Y EL NEGRO, una de las abundantes novelas gráficas recientes, que en este caso me dejó un sabor de boca muy agradable.

SOFÍA Y EL NEGRO de Judith Vanistendael: ***

Esta obra se presenta como ejemplo perfecto de cómic cultureta y gafapasta donde los haya (historia auto-biográfica, contenido actual, drama humano realista, etc...), donde el dibujo sucio, descuidado y esquemático en blanco y negro potencia el comentario social y los contrastes de la historia (amor interracial, inmigración, tolerancia/in-idem, africa/europa, etc...) con acierto. Pero lejos de ser un comic-pose afectado por su propia concepcion como novela gráfica, la sencillez y dulzura de la narración así como la humanidad que la autora despliega con sus bonachones, bien intencionados y entrañables padres, así como la honestidad que muestra con su propio reflejo plasmado en viñetas, nada maniqueo, resultan del todo convincentes. Su procedencia belga (con ese apellido no cabe duda) ayuda, además, a que el interés inicial hacia la obra aumente considerablemente, pues en un país con enorme aceptación para con el medio, conseguir destacar lo suficiente - se sobreentiende que la crítica y la criba de su industria son mucho más exigentes precisamente por esa misma consideración hacia la disciplina - como para alcanzar las fronteras internacionales supone un mérito añadido que da prueba del valor intrínseco de la creación.

Un trabajo muy hermoso con el que resulta fácil conectar a nivel emocional, pese a que su temática y aspecto técnico puede que no acaben de convencer a todo el mundo. Buen tebeo en cualquier caso.

Cómic: Carlos Giménez

Hoy reseña/crítica/comentario de BARRIO y HOM. Lo dije a colación de la reseña de RAMBLA y lo reitero con los dos pequeños comentarios que dedico a sendas obras de Carlos Giménez; es uno de los grandes del tebeo contemporáneo.

BARRIO 1: ****

En el primer volumen de esta serie (4 tomos hasta la fecha) la humanidad y calidez de su pluma alcanzan cotas de emoción del todo incontenibles para mí (dado que retrata el barrio de Lavapiés en el que he vivido), suponiendo la continuación directa de los hecho relatados en PARACUELLOS, obra que sintetiza de modo magistral en las dos primeras páginas. Mezcla como nadie sabe hacerlo el drama con el humor, el dolor con la alegría y la desesperación con la ilusión. Relatos con alma y corazón que configuran un gran fresco del Madrid de una época dura, pero entrañable y rebosante de vida. Para completar el deleite, una edición estupenda en tapa dura por parte de Glenat.

HOM: ***1/2

La literatura ajena plasmada en viñetas puede suponer una clara merma de sus virtudes narrativas si los lápices no son diestros, pero en manos de un maestro no ha lugar. Este cómic es apenas un segmento del relato completo que adapta, el magnífico EN EL LENTO MORIR DE LA TIERRA de Brian W. Aldiss, pero qué dominio del arte secuencial, qué lucidez expositiva y crítica, qué ritmo, poderío expresivo, imaginación y capacidad de síntesis. Carlos Giménez son palabras mayores, pues incluso en obras menores se atisba a un grande en cada una de sus viñetas. Además Glenat mantiene su buen hacer para con el autor, recuperando en tapa dura trabajos tan destacados como este.

Cómic: En Carne Viva

Hoy reseña/crítica/comentario de EN CARNE VIVA. Con algo de retraso (respecto a la lectura generalizada), pero no sin las ganas acumuladas debidas al nombre de su dibujante, he abordado la obra que ahora me ocupa con amarga decepción y constatación de la opinión cuasi-global.

EN CARNE VIVA de Giroud, Germaine y Pellejero: **1/2

Las loas a Rubén Pellejero son innecesarias llegados a este punto. Las habrán leído a montones en montones de sitios y en bocas de más criterio que el mío. Baste con ojear alguno de sus trabajos más conocidos y estimables como TABU o EL VALS DE GULAJ, para dar ávida cuenta del talento de un ilustrador magistral. Tampoco pintaba mal la aportación de Frank Giroud para la trama, pues yo soy de los que considera EL DECÁLOGO un fresco histórico rico y de gran enjundia narrativa, por lo que la suma de dichos talentos nada malo hacía presagiar. Pero no siempre la adicción da por resultado algo redondo, pleno. EN CARNE VIVA sitúa la acción en el cambio del siglo XIX al XX en un París convulso, una época virulenta y llena de opciones. Además aporta un personaje central atractivo e interesante en cuanto a posibilidades expresivas; Tristán, un pintor acreedor de una deformidad que nunca vemos y que le impide hablar, lo cual le obliga a comunicarse tanto con sus ojos y lenguaje corporal como con sus cuadros - impresionante Pellejero en ambas vertientes - sangrientos, dolientes y desgarradores.

Pero las oportunidades de un drama que incluye traición, venganza, vergüenza y complicaciones familiares folletinescas al uso, no se explota con la profundidad ni la agilidad esperadas. De hecho apenas se desarrolla ninguna historia realmente interesante dentro de un embrollo tremendo, que al final queda resuelto con una mera anéctoda mil veces vista. Así pues la narrativa se sostiene por y para - exclusivamente - el talento de un dibujante en estado de gracia, capaz de mantener una lectura enrevesada y tramposa que no lleva a ningún sitio durante más de 140 páginas, hasta acabar la misma por el mero hecho de disfrutar del despliegue gráfico en ella conseguido.

BSO: De Profundis

Recupero comentario lejano de una las mejores bandas sonoras españolas de los últimos años, perteneciente al fascinante y único largometraje hasta la fecha de Miguelanxo Prado.

DE PROFUNDIS de Nani García: ****

Un viaje al fondo del mar, un sueño en imágenes, un poema animado. Todo eso y mucho más es DE PROFUNDIS, experiencia audiovisual donde las haya (no hay diálogos, apenas se aprecian un par de efectos sonoros y el metraje se articula basicamente a través de fundidos y zooms), en la que su responsable directo Miguelanxo Prado - recordemos autor de TRAZO DE TIZA - vuelca toda su capacidad pictórica con brillantes resultados. Si uno se deja arrastrar por esta corriente, inicialmente algo cadenciosa, descubrirá pronto un mundo pletórico de colorido y belleza, cargado de metáforas y con cierto aire a lo Miyazaki en su visualización, igual que por momentos la música más melancólica y gentil de García en su inicio hace recordar los mejores momentos del músico fetiche del realizador japones, Joe Hisaishi.

Interpretada de forma brillante por la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la batuta de Rubén Gimeno (con la intervención mediante del "Consorcio para la Promoción de la Música"), la composición incluye como base de su rica y ecléctica orquestación; coro mixto, soprano solista, celesta y violoncello solista como elementos destacados. Por otro lado, para la canción que ocupa los créditos finales "Soños de Auga", se ha contado con Ainhoa Arteta como co-interprete junto a Carmen Rey, lo que da idea de la categoría de su producción musical.

Nani García elabora para DE PROFUNDIS una partitura exuberante, de enorme riqueza melódica, que oscila entre múltiples niveles estilísticos, narrativos y expresivos, fundidos y acompasados de la misma forma que lo hacen las imágenes a las que la música envuelve, mezclando el impresionismo debussyano con el minimalismo puntual de Philip Glass. Por ejemplo, la secuencia de la pesca (una de los fragmentos musicales más destacados) se ilustra con una danza japonesa percusiva y coral en "Cantar do Gran Sol", preludiada por el hermoso canto de un niño solista en "Anzó de Luz". Durante el corte "Caza e Ofrenda", se atisba una procesión de exotismo rítmico africano; en la primera aparición del pesquero surgen las cadencias de una habanera; así como la rumba durante el comienzo del viaje. También las flautas asociadas al mundo gallego y al mar, tienen su momento destacado hacia el final de la cinta e incluso el tono de blues de la canción cierra de forma inesperada el disco.

Temáticamente la partitura supone un derroche de creatividad e imaginación, con una melodía inicial que desborda romanticismo en "Obertura" y que da paso a la melancolía del tema asociado la mujer que espera en "Atalaia" y "Muller na Atalaia que o comprende todo", mientras que pasajes más livianos como "Dentrofora" encuentran en la sencillez del piano su mejor aliado. El naufragio se acompaña de un intenso fragmento en "Agoiro e Tempestade", así como el hundimiento es acompañado de una pieza cuasi litúrgica para coro infantil en "Misere Nobis". Finalmente los cortes "Cemiteiro de Barcos e Almas que o abandonan" y "A Cidade Asolagada", resultan los fragmentos más poderosos, extensos y que mejor unifican los conceptos musicales de la banda sonora en relación con su progresión dramática y fusión audiovisual.

La edición discográfica pertenece a la casa gallega Xingra, que realiza una magnífica producción sonora así como un elegante acabado formal en digipack que incluye el total del score e incluso la pista "Fonduras", empleada en el trailer del film. Su adquisición se puede realizar a través del siguiente enlace a su página web XINGRA, algo que desde estas líneas recomiendo fervientemente dada la solidez de la composición y la maravillosa experiencia que se produce con su audición.

Puedes leer la reseña completa original en SCOREMAGACINE así como la entrevista que el compositor nos ofreció con motivo del estreno a David Rodriguez y al que suscribe en este ENLACE.

Cómic: Mis problemas con las mujeres

Hoy comentario/crítica/reseña de MIS PROBLEMAS CON LAS MUJERES: OBRAS COMPLETAS DE ROBERT CRUMB VOLUMEN 1. Recién reeditado otra vez (y van siete) el primer volumen de sus obras completas por parte de La Cúpula, aprovecho un antiguo comentario para abrir brecha en el blog con Robert Crumb.

OBRAS COMPLETAS 1 de Robert Crumb: ****1/2

El misántropo y misógino señor Crumb les sonará incluso a muchos neófitos en el mundillo, ya que su personalidad trasciende el medio, como Alan Moore o Ibañez por tierras patrias. No obstante, no me atrevía a picotear de este tebeo (la obra completa son 16 números hasta la fecha), padre espiritual y formal del underground yankee, por el mero hecho de - yo creía - su propio localismo espacio-temporal. Superadas las barreras del recelo inicial solo puedo clamar a los cuatro vientos la genialidad del autor. Su dibujo grotesco, caricaturesco, pero tremendamente humano y mordaz resulta tan único e intrasferible como el despiadado discurso autocrítico y egocéntrico que el autor realiza sobre sí mismo y sus experiencias con las mujeres a lo largo de este primer tomo. Además, en este caso, ese mencionado localismo resulta universal, ya que sus inseguridades para con el género femenino son experiencias pasmosamente cercanas (no así sus estrambóticos fetiches), y con las inevitables distancias, resuenan bastante a Woody Allen.

En el aspecto técnico, Crumb maneja la viñeta con un virtuosismo pasmoso, la narración se sucede en volandas y la mala leche se despliega en todo su esplendor a la hora de ridiculizarse visualmente a sí mismo y con ello a todos nosotros, aunque se ensañe con especial énfasis a lo largo de este volumen con las mujeres, a las que desprecia tanto como mitifica sexualmente dentro de sus peculiares parámetros estéticos.

Una obra que desprende el sabor de lo perdurable sin perder acidez o importancia con el transcurso del tiempo, a la vez que supone un hito dentro del tebeo que serviría para abrir camino a posteriores autores tan importantes como los hermanos Hernandez, Peter Bagge o Chester Brown. Imprescindible.

Cómic: Los Muertos Vivientes 12

Con este volumen, creo, se alcanza un punto de inflexión en la serie que supone una arriesgada y magistral jugada que puede saldarse con material a contar entre lo mejor de la saga.

LOS MUERTOS VIVIENTES 12 de Kirkman y Adlard: ****

De entre las últimas incorporaciones al grupo de Rick, salta la liebre de la mentira con la terrible decepción que ello conlleva para Abraham, pero que sirve al tiempo para encontrar un nuevo punto de destino, un aparente fin del camino. Así las cosas, Kirkman parece buscar un remanso de paz y devolverles algo bueno a unos personajes que tanto han sufrido. Nada más lejos, lo que en este volumen se presenta y anuncia puede ser la pieza de toque con la que redefinir a Rick y la serie globalmente. Casi nada, vamos. Así pues la aportación del guionista lleva a los personajes a una nueva e inesperada situación con la que aumenta el scope en cuanto al impacto de secuencias de acción y vistosidad innegables (el rescate en medio de la capital), tanto como a una exploración de la psicología de los carácteres, que raya en lo genial tanto por la perfecta coherencia de sus actos como por lo malsanamente comprensible de sus cavilaciones y las plausibles implicaciones de las mismas. Un número que se devora a velocidad de infarto y que asienta el nivel de imprescindible en una colección llamada a hacer historia en el medio.

Cómic: Los Muertos Vivientes 11

La serie alcanza, aunque parezca mentira, uno (otro) de sus momentos álgidos hasta la fecha, consiguiendo asentarse en un nivel de calidad y sorpresa extraordinario y constante.

LOS MUERTOS VIVIENTES 11 de Kirkman y Adlard: ****

De nuevo en la carretera, y nunca mejor dicho, pues la pequeña - aunque terrible - experiencia que Rick y los suyos van a tener que vadear a lo largo de este número supone de nuevo un encontronazo con la novela de McCarthy. Por supuesto el guionista no solo ofrece escaramuzas variadas, hace que los personajes lleguen y salgan de ellas con un bagage que incrementa exponencialmente las virtudes de la serie. Secundarios que podrían suponerse como mero bulto de acompañamiento y mera carnaza para el imprevisto ataque zombi de turno, arrancan a dentelladas el cariño y compasión del lector, haciendo que su pérdida, a priori, poco llamativa, devenga en un auténtico encogimiento del corazón. No contento con avivar más todavía nuestra irremediable conexión emocional con los personajes, Kirkman intercala estos insertos y la acción con un ensamblaje milimétrico para este volumen, gracias a una acumulación de tensión in crescendo, cuyo estallido narrativo visual culmina - durante seis páginas en silencio - en una de las escenas más potentes de toda la saga. Un número que supone la quintaesencia de la calidad manifiesta de LOS MUERTOS VIVIENTES y que la ratifica como una obra referencial dentro del cómic contemporáneo.

Cómic: Los Muertos Vivientes 10

La serie, asentada por completo en un nivel de calidad superior, recupera la estructura de viaje pero aporta incesantes empujones en la trama que la siguen enriqueciendo a cada página.

LOS MUERTOS VIVIENTES 10 de Kirkman y Adlard: ****

Las pérdidas acaecidas van a ser difíciles de sobrellevar por Rick y sus reencontrados amigos supervivientes, pero las nuevas aportaciones al grupo van a resultar cruciales para profundizar por un lado en los aspectos más oscuros y rugosos del ser humano, y por otro para contar con un nuevo objetivo y alcanzar más adelante un alto en el camino. El primer aspecto lo representa de modo corolario Abraham, cuya historia personal servirá de crudo reflejo para el alma de Rick, pero que también va a devenir en un poderoso aliado y homólogo superviviente. El segundo, a modo de giro total en la premisa de los pilares de la serie - la búsqueda de una explicación al alzamiento de los muertos nunca fue algo prioritario - supone combustible extra para los acontecimientos que han de venir. Pero además, Kirkman no olvida los pequeños detalles que hacen de esta saga algo tan grande, preparando (y recuperando) a algunos de los secundarios para tomar mayor relevancia o sorprender con cruentas sub-tramas que enriquecen más todavía el conjunto. El viaje se reinicia con las baterias cargadas manteniendo por completo el impresionante nivel de los números previos.

Cómic: Los Muertos Vivientes 9

Tras la frenética sucesión de eventos del volumen anterior, la trama se relaja momentáneamente para ofrecer un oásis de dramatismo y emoción contenida.

LOS MUERTOS VIVIENTES 9 de Kirkman y Adlard: ****

Por contrario a lo que pueda parecer, la calidad de esta colección no radica en la acumulación de tramas y de giros, algo que este soberbio número ejemplifica de manera magistral. Ahora encontramos a Rick y a su hijo solos, aislados, desesperanzados y en serios problemas. Y aun así el número - casi un paréntesis conceptual dentro de la saga - se sostiene casi en su totalidad con la situación monolítica de ambos personajes, con sus propias reflexiones tanto interiores como interpersonales, dando cuenta del nivel de madurez que tanto los protagonistas como la propia serie han adquirido hasta el momento. Otro hallazgo narrativo del volumen es su cadencioso pero constante (al tiempo que inteligente) ritmo visual, con la introducción de panorámicas sobre la silenciosa casa de noche y de día, así como las splash pages dedicadas a primerísimos planos de Rick y Carl, cuya historia entronca abiertamente ya con LA CARRETERA de Corman McCarthy, novela a la que se apuntaban referencias durante el inicio de la aventura, pero que ahora se solidifican plenamente y que harán mayor mella en subsiguientes entregas. Con la recuperación de las líneas conocidas avanzada la lectura, se aporta otro cambio de rumbo que servirá de base para un nuevo segmento en la trama. Una serie que continúa sorprendiendo en su forma y contenido, manteniendo un nivel de calidad extraordinario. Imprescindible.